Munch fut un grand lecteur et collectionneur de la presse nationale et
internationale. Lui qui avait en outre une mémoire très photographique,
s'inspira aussi de l'actualité pour peindre. maisl à encore, l'histoire et les
histoires s'entremêlent. Plusieurs toiles de Munch représentent des incendies, le
peintre ayant été témoin notamment d'un feu pris à Gronland en 1919.
Cependant, il existe beaucoup de différences entre les croquis réalisés sur le vif
et la toile qui en résulte. Celle-ci semble avoir été graphiquement influencée par
les articles parus autour de l'événement, mais aussi par d'autres incendies qui
ont marqué le peintre. En observant différents thèmes récurrents dans ces
scénettes, on comprend que Munch n'opère pas en illustrateur : ses oeuvres
ne sont pas attachées à un seul événement. Il tisse des liens entre différents
épisodes et mêle plusieurs motifs graphiques pour former une oeuvre qui, née
de faits isolés, en devient plus universelle, acquiert davantage de force.
"Panique à Oslo". gravure sur bois 1917
"Je ne peins pas ce que je vois. Mais ce que j'ai vu" (1890)
" La maison brûle" 1925-1927
En 1905, lors d'un dîner où Munch avait convié l'acteur Ludvig Müller et le
peintre Ludvig Karsten, une violente dispute éclate. Ce dernier aurait mis en
doute le sentiment national de Munch. En 1916 puis en 1932, des années après
cet événement en apparence anecdotique, il reprend le sujet en réalisant
plusieurs intitulées "La Bagarre". Karsten figure à l'arrière plan tandis que
Munch se tient tout à l'avant tombant presque dans l'espace du spectateur. Ce
jeu de perspective, qui consiste à donner l'impression au regardeur d'être au
coeur de l'action est caractéristique des illustrations de combats de la première
Guerre Mondiale. Munch, s'en est sans doute, consciemment ou non inspiré,
d'autant que le motif de la rixe avait un lien avec la défense de la nation. Quoi
qu'il en soit, la dispute avec Karsten fournit à Munch plusieurs motifs différents,
"Les Hôtes indésirables" renvoie notamment à la fin de l'épisode, où le peintre
menace ses deux convives avec un fusil.
"La Bagarre" 1932 huile sur toile 1932
"Les Hôtes indésirables" 1932 -1935
On observe dans de nombreuses oeuvres de Munch des manifestaions de
dédoublement physique qui renvoient inéluctablement à une division psychique
du sujet. Le peintre exprime souvent la sensation de marcher à côté de lui-
même, un effet qui se voit renforcé avec l'alcoolisme et la dépression. Cette
opposition répond à un tiraillement intérieur qui oscille entre la schizophrénie,
l'hallucination, la figure d'un double créateur...
L'imaginaire de l'ubiquité n'est pas étranger à l'intérêt de Munch pour les
phénomènes médiumniques. Dans ses autoportraits photographiques, il cherche
souvent à prolonger le temps de pose pour fixer son double spectral. La
silhouette monochrome, presque immatérielle, qui apparaît dans "Le
dédoublement de Faust" renvoie à Méphisto, à une force à la fois bénéfique et
maléfique qui pousse Munch à créer, mais aussi à faire passer l'art avant tout.
https://www.youtube.com/watch?v=D2_NmLp9dmE
vendredi 24 avril 2020
jeudi 23 avril 2020
Le monde extérieur
Avant d'aborder ce thème, revenons un instant sur le Rayonnement
particulièrement bien exprimé par ce "Le Solei"l de 1910-1913
A la suite de son hospitalisation pour dépression nerveuse en 1908, on observe
dans l'oeuvre de Munch une vénération pour la nature dont "le Soleil" peut être
considéré comme l'emblème. Le peintre élabore ce motif pour répondre à une
commande de l'Université de Kristiana, à laquelle il travaillera entre 1910
et1916. La toile monumentale, dont il existe de nombreuses esquisses et
versions différentes, trônera sur le mur pignon de l'aula, entre deux autres
tableaux de Munch "Alma Mater" et "L'Histoire". Au moment où il y travaille,
Munch écrit plusieurs textes autour du thème de la "lumière originelle" dans une
philosophie d'inspiration panthéiste. Les multiples faisceaux du soleil, placé ici
su un horizon très haut, contaminent tout le panorama. Outre le paysage, ils
semblent venir englober le spectateur. Les rayons et les cercles concentriques
qui portent tout le spectre des couleurs attirent l'oeil vers son centre blanc,
aveuglant. Cette toile témoigne de l'intérêt que Munch porte à cette époque à
la physiologie oculaire.
Munch est davantage connu comme le peintre des angoisses humaines, de
l'intériorité et des tourments psychologiques. Il s'est cependant inscrit à de
maintes reprises dans l'actualité de son époque en peignant sur le motif des
tableaux inspirés par des scènes dont il a été témoin ou bien à partir de
photographies d'événements relayés par la presse. En mettant ainsi en scène
des histoires personnelles ou bien des événement publics, il développe son
propre mode de narration, qui n'est pas étranger au traitement moderne du
fait divers.
" Marins dans la neige "1910-1912
En 1909, à la suite de son hospitaliatiion, on observe un changement dans les
thèmes choisis par Munch. Ses sujets se tournent davantage vers des scènes
extérieurs, des mouvements de foules. Il va peu à peu s'intéresser aux paysans,
et surtout au monde ouvrier, dans une démarche humaniste proche de celle de
Van Gogh. Il est vrai que la période est particulièrement mouvementée. De
nombreuses grèves, dont les journaux mais aussi le cinéma documentaire se
font les relais, ont pu alimenter le désir de Munch de peindre la classe ouvrière
alors en plein essor. Fasciné par les travailleurs, il déclinera ce motif dans de
nombreuses toiles, mais aussi en lithographie, en gravure sur bois et en
sculpture.
"Homme noir et jaune dans la neige" 1910-1912
https://www.youtube.com/watch?v=aTNjaICaCyE
particulièrement bien exprimé par ce "Le Solei"l de 1910-1913
A la suite de son hospitalisation pour dépression nerveuse en 1908, on observe
dans l'oeuvre de Munch une vénération pour la nature dont "le Soleil" peut être
considéré comme l'emblème. Le peintre élabore ce motif pour répondre à une
commande de l'Université de Kristiana, à laquelle il travaillera entre 1910
et1916. La toile monumentale, dont il existe de nombreuses esquisses et
versions différentes, trônera sur le mur pignon de l'aula, entre deux autres
tableaux de Munch "Alma Mater" et "L'Histoire". Au moment où il y travaille,
Munch écrit plusieurs textes autour du thème de la "lumière originelle" dans une
philosophie d'inspiration panthéiste. Les multiples faisceaux du soleil, placé ici
su un horizon très haut, contaminent tout le panorama. Outre le paysage, ils
semblent venir englober le spectateur. Les rayons et les cercles concentriques
qui portent tout le spectre des couleurs attirent l'oeil vers son centre blanc,
aveuglant. Cette toile témoigne de l'intérêt que Munch porte à cette époque à
la physiologie oculaire.
Munch est davantage connu comme le peintre des angoisses humaines, de
l'intériorité et des tourments psychologiques. Il s'est cependant inscrit à de
maintes reprises dans l'actualité de son époque en peignant sur le motif des
tableaux inspirés par des scènes dont il a été témoin ou bien à partir de
photographies d'événements relayés par la presse. En mettant ainsi en scène
des histoires personnelles ou bien des événement publics, il développe son
propre mode de narration, qui n'est pas étranger au traitement moderne du
fait divers.
" Marins dans la neige "1910-1912
En 1909, à la suite de son hospitaliatiion, on observe un changement dans les
thèmes choisis par Munch. Ses sujets se tournent davantage vers des scènes
extérieurs, des mouvements de foules. Il va peu à peu s'intéresser aux paysans,
et surtout au monde ouvrier, dans une démarche humaniste proche de celle de
Van Gogh. Il est vrai que la période est particulièrement mouvementée. De
nombreuses grèves, dont les journaux mais aussi le cinéma documentaire se
font les relais, ont pu alimenter le désir de Munch de peindre la classe ouvrière
alors en plein essor. Fasciné par les travailleurs, il déclinera ce motif dans de
nombreuses toiles, mais aussi en lithographie, en gravure sur bois et en
sculpture.
"Homme noir et jaune dans la neige" 1910-1912
https://www.youtube.com/watch?v=aTNjaICaCyE
mercredi 22 avril 2020
Rayonnements
Si l'on observe dans les photographies de Munch de constantes recherches
autour de la matière (transparences, effets de flou, superpositions), ces
préoccupations trouvent également un écho dans ses toiles.
Le rapport entre le sujet et son traitement met souvent en tension de façon
créative une dualité entre matérialité et immatérialité. La lumière, parfois
liquide, éclabousse le spectateur ; les corps, tantôt opaques et comme agrégés
les uns aux autres, tantôt transparents, semblent se diluer. A l'instar de
beaucoup de ses contemporains, Munch refuse l'emploi du vernis ; laissant
ainsi les couleurs à nu, il en maintient la profondeur. Les coups de pinceau sont
apparents, la matière, loin d'être aplanie, participe de la force de l'oeuvre tout
autant que le motif. Il n'hésite pas à appliquer à certaines de ses toiles son
fameux "traitement de cheval", c'est -à- dire à les exposer aux intempéries en
les laissant à l'air libre afin de faire entrer le hasard et la marque d'une
certaine temporalité dans son processus créatif. Création et destruction se
fondent alors dans un geste d'une grande modernité.
Femmes au bain. 1917
"Femmes au bain" illustre parfaitement les recherches du peintre en terme de
transparence. La superposition des corps souligne leur sensualité. Elle donne
l'impression d'une démultiplication des femmes. Le cadrage participe lui aussi
cet effet : certaines sont coupées par la limite de la toile. On ne voit que le
buste de la jeune fille du premier plan, qui semble aller à la rencontre du
spectateur en le fixant droit dans les yeux. Mais, fait plus rare chez Munch, on
aperçoit à l'arriére-plan, non plus des troncs mais des jambes seules. Ce
phénomène, qui évoque davantage la photographie que la peinture, donne
l'impression d'être témoin d'une scène à la dérobée. Il renforce également la
profondeur du champ qui aurait pu être abolie par les superpositions. Munch
applique ici très peu de peinture. La toile, qui reste visible à certains endroits,
fait partie intégrante de la composition. Munch souligne ainsi la matérialité de
la peinture chère à de plus en plus d'artistes de l'époque. La transparence, à la
fois d'ordre optique et tactile, témoigne là encore d'un jeu d'alternance entre
matérialité et immatérialité.
"Certains croient qu'un tableau est terminé quand ils ont mis autant de
détails que possible. Une ligne peut être une oeuvre d'art".(1930)
L'homme à la luge. 1910-1912
Enfants dans la rue 1910-1915
Je ne peux m'empècher de vous dire que ce sont là mes toiles préférées, j'y
trouve un petit quelque chose des oeuvres de Van Gogh.
Nuit étoilée" 1922-1924
"Je ferme les yeux dans le noir. Au fond de moi tout luit et étincelle -
les planères brillent - les atomes brillent" (vers 1932)
L'oeuvre de Munch est ponctuée de paysages: s'ils sont la plupart du temps
peuplés de personnages, ils en sont parfois dénués. Dans un cas comme dans
l'autre, ils reflètent les états d'âme du peintre, suivant en cela la tradition
romantique. La nuit porteuse de lyrisme et de mélancolie, est un thème de
prédilection de Munch. Il existe plusieurs versions de "Nuit étoilée", qui est une
vue de sa véranda d'Ekely. Un grand sentiment de solitude se dégage de
l'oeuvre, habitée par l'ombre fantomatique, sans doute celle du peintre, que l'on
aperçoit au premier plan à droite. la clarté des étoiles répond aux lumières
électriques du village. Cet effet, ainsi que la composition, n'est pas sans
rappeler "La Nuit étoilée" (1888).... (ah que je suis heureuse je n'étais pas
allée jusqu'au bout de la lecture et voilà que mon impression est la bonne !!!)
..Arles. de Vincent Van Gogh que Munch a sans doute pu voir au Salon des
indépendants en 1889.
"L'art est le contraire de la nature. Une oeuvre d'art ne vient que du
plus profond de l'être humain. L'art est la forme que prend une image à
travers les nerfs, le coeur, le cerveau, l'oeil de l'être humain."
(1928-1929)
autour de la matière (transparences, effets de flou, superpositions), ces
préoccupations trouvent également un écho dans ses toiles.
Le rapport entre le sujet et son traitement met souvent en tension de façon
créative une dualité entre matérialité et immatérialité. La lumière, parfois
liquide, éclabousse le spectateur ; les corps, tantôt opaques et comme agrégés
les uns aux autres, tantôt transparents, semblent se diluer. A l'instar de
beaucoup de ses contemporains, Munch refuse l'emploi du vernis ; laissant
ainsi les couleurs à nu, il en maintient la profondeur. Les coups de pinceau sont
apparents, la matière, loin d'être aplanie, participe de la force de l'oeuvre tout
autant que le motif. Il n'hésite pas à appliquer à certaines de ses toiles son
fameux "traitement de cheval", c'est -à- dire à les exposer aux intempéries en
les laissant à l'air libre afin de faire entrer le hasard et la marque d'une
certaine temporalité dans son processus créatif. Création et destruction se
fondent alors dans un geste d'une grande modernité.
Femmes au bain. 1917
"Femmes au bain" illustre parfaitement les recherches du peintre en terme de
transparence. La superposition des corps souligne leur sensualité. Elle donne
l'impression d'une démultiplication des femmes. Le cadrage participe lui aussi
cet effet : certaines sont coupées par la limite de la toile. On ne voit que le
buste de la jeune fille du premier plan, qui semble aller à la rencontre du
spectateur en le fixant droit dans les yeux. Mais, fait plus rare chez Munch, on
aperçoit à l'arriére-plan, non plus des troncs mais des jambes seules. Ce
phénomène, qui évoque davantage la photographie que la peinture, donne
l'impression d'être témoin d'une scène à la dérobée. Il renforce également la
profondeur du champ qui aurait pu être abolie par les superpositions. Munch
applique ici très peu de peinture. La toile, qui reste visible à certains endroits,
fait partie intégrante de la composition. Munch souligne ainsi la matérialité de
la peinture chère à de plus en plus d'artistes de l'époque. La transparence, à la
fois d'ordre optique et tactile, témoigne là encore d'un jeu d'alternance entre
matérialité et immatérialité.
"Certains croient qu'un tableau est terminé quand ils ont mis autant de
détails que possible. Une ligne peut être une oeuvre d'art".(1930)
L'homme à la luge. 1910-1912
Enfants dans la rue 1910-1915
Je ne peux m'empècher de vous dire que ce sont là mes toiles préférées, j'y
trouve un petit quelque chose des oeuvres de Van Gogh.
"Je ferme les yeux dans le noir. Au fond de moi tout luit et étincelle -
les planères brillent - les atomes brillent" (vers 1932)
L'oeuvre de Munch est ponctuée de paysages: s'ils sont la plupart du temps
peuplés de personnages, ils en sont parfois dénués. Dans un cas comme dans
l'autre, ils reflètent les états d'âme du peintre, suivant en cela la tradition
romantique. La nuit porteuse de lyrisme et de mélancolie, est un thème de
prédilection de Munch. Il existe plusieurs versions de "Nuit étoilée", qui est une
vue de sa véranda d'Ekely. Un grand sentiment de solitude se dégage de
l'oeuvre, habitée par l'ombre fantomatique, sans doute celle du peintre, que l'on
aperçoit au premier plan à droite. la clarté des étoiles répond aux lumières
électriques du village. Cet effet, ainsi que la composition, n'est pas sans
rappeler "La Nuit étoilée" (1888).... (ah que je suis heureuse je n'étais pas
allée jusqu'au bout de la lecture et voilà que mon impression est la bonne !!!)
..Arles. de Vincent Van Gogh que Munch a sans doute pu voir au Salon des
indépendants en 1889.
"L'art est le contraire de la nature. Une oeuvre d'art ne vient que du
plus profond de l'être humain. L'art est la forme que prend une image à
travers les nerfs, le coeur, le cerveau, l'oeil de l'être humain."
(1928-1929)
mardi 21 avril 2020
Compulsion
Déclinant à l'envi les thèmes qui lui sont chers, Munch offre de véritables
exemples de variations au sens musical du terme. Répétition et récurrence
s'enrichissent chaque fois d'un regard différent qui vient modifier l'ambiance
d'une oeuvre, son élairage, sa tonalité, de façon tout à fait contrapuntique.
Munch tente de restituer ses premières impressions d'uns scène en la reprenant
sans cesse. La réitatération d'un motif touche parfois à l'obsession : les
déclinaisons, à la différence du phénomène des reprises par lequel Munch
revient sur un thème des années après sa première réalisation, sont resserrées
sur une période très courte. De sa rencontre avec le modèle Rosa Meissner en
1907 naîtront de nombreuses oeuvres. "femme en pleurs" sera réalisé sous
formes de toiles, mais aussi de dessins de photographies, de lithographies, et
donnera même naissance à l'une de ses très rares sculptures en bronze.
Nu en pleurs. 1907
" On comprendra alors ce qu'il y a de sacré et d'imposant dans le motif
et l'on se découvrira devant comme dans une église" '1889)
Si la femme que l'on peut voir photographiée est élancée et gracieuse, celle qui
est peinte dans ses toiles, bien qu'immobilisée quasiment dans la même
position, paraît beaucoup moins à l'aise dans son corps. Munch a réduit des
seins et gommé ses formes, si bien que l'on peut se demander si la tristesse de
cette femme à la tête penchée ne renvoie pas aux angoises de la puberté déjà
traitées dans d'autres toiles. les épaules élégamment rejetées en arrière sur la
photographie, sont tombantes, abattues qur les toiles, qui rappellent certains
nus de Pierre Bonnard. Dans la sculpture, qui évoque davantage la manière
d'Auguste Rodin, les épaules du modèle sont courbées vers l'avant.
Femme en pleurs 1907
Femme en pleurs 1907
Une fois guéri de la grippe espagnole, Munch se retire dans sa propriété
d'Ekely. Il y réalise davantage de nus et continuera à y peindre des modèles
féminins jusqu'à la fi de sa vie. Il est la plupart du temps proche de son sujet.
Il cherche à déceler les sentiments profonds qui gouvernent les femmes qu'il
peint pour rendre leurs portraits plus puissants. Dans "L'artiste et son modèle"
les deux protagonistes semblent entretenir des rapports intimes, comme en
témoigne le lit défait au fond de la pièce qui n'est autre que la chambre à
coucher de Munch à Ekely . Ici encore, les personnages, parmi lesquels figure le
peintre, au second plan, font face au spectateur dans une attitude hostile,
comme s'ils lui reprochaient sa présence.
L'artiste et son modèle. 1919-1921
exemples de variations au sens musical du terme. Répétition et récurrence
s'enrichissent chaque fois d'un regard différent qui vient modifier l'ambiance
d'une oeuvre, son élairage, sa tonalité, de façon tout à fait contrapuntique.
Munch tente de restituer ses premières impressions d'uns scène en la reprenant
sans cesse. La réitatération d'un motif touche parfois à l'obsession : les
déclinaisons, à la différence du phénomène des reprises par lequel Munch
revient sur un thème des années après sa première réalisation, sont resserrées
sur une période très courte. De sa rencontre avec le modèle Rosa Meissner en
1907 naîtront de nombreuses oeuvres. "femme en pleurs" sera réalisé sous
formes de toiles, mais aussi de dessins de photographies, de lithographies, et
donnera même naissance à l'une de ses très rares sculptures en bronze.
Nu en pleurs. 1907
" On comprendra alors ce qu'il y a de sacré et d'imposant dans le motif
et l'on se découvrira devant comme dans une église" '1889)
Si la femme que l'on peut voir photographiée est élancée et gracieuse, celle qui
est peinte dans ses toiles, bien qu'immobilisée quasiment dans la même
position, paraît beaucoup moins à l'aise dans son corps. Munch a réduit des
seins et gommé ses formes, si bien que l'on peut se demander si la tristesse de
cette femme à la tête penchée ne renvoie pas aux angoises de la puberté déjà
traitées dans d'autres toiles. les épaules élégamment rejetées en arrière sur la
photographie, sont tombantes, abattues qur les toiles, qui rappellent certains
nus de Pierre Bonnard. Dans la sculpture, qui évoque davantage la manière
d'Auguste Rodin, les épaules du modèle sont courbées vers l'avant.
Femme en pleurs 1907
Femme en pleurs 1907
Une fois guéri de la grippe espagnole, Munch se retire dans sa propriété
d'Ekely. Il y réalise davantage de nus et continuera à y peindre des modèles
féminins jusqu'à la fi de sa vie. Il est la plupart du temps proche de son sujet.
Il cherche à déceler les sentiments profonds qui gouvernent les femmes qu'il
peint pour rendre leurs portraits plus puissants. Dans "L'artiste et son modèle"
les deux protagonistes semblent entretenir des rapports intimes, comme en
témoigne le lit défait au fond de la pièce qui n'est autre que la chambre à
coucher de Munch à Ekely . Ici encore, les personnages, parmi lesquels figure le
peintre, au second plan, font face au spectateur dans une attitude hostile,
comme s'ils lui reprochaient sa présence.
L'artiste et son modèle. 1919-1921
lundi 20 avril 2020
En scène
Quand Max Reinhadrt, fondateur des Berliner Kammerspiele en 1906, inaugure
son théatre en montant "les Revenants" d'Henrik Ibsen, c'est tout
naturellement à Munch qu'il fait appel. Les "études d'atmosphère" que le
peintre réalise pour ses décors s'inscrivent en effet dans la continuité de son
travail.
Les dramaturges, à l'instar d'Auguste Strindberg, s'orientent alors de plus en
plus vers une esthétique de l'intime : la personnalité et l'univers intérieur des
personnages se retrouvent au centre du drame, et l'espace qu'ils occupent
porte la marque de leurs tourments. Qui mieux que Munch pouvait faire jouer
ce rôle dramatique aux objets, aux meubles ? cette collaboration signe une
évolution dans sa peinture. Il représente alors davantage de personnages figés
dans cet espace clos, dont l'étroitesse renforce une sensation d'étouffement, qui
gagne certes le spectateur, mais qui semble aussi paralyser les personnages
hiératiques. On y retrouve un paradoxe propre au théatre intimiste de
Reinhardt : le spectateur se sent introduit dans l'espace des personnages et
donc dans leur intimité ; cependant, l'attitude crispée et distante de ceux-ci
tend à montrer qu'ils cherchent à repousser cette intrusion.
" A la douce jeune fille". 1907
"la mort est amoureuse de la vie et la douleur est l'amie de la joie"
vers 1915-1930
Dans la série intitulée "La Chambre verte" Munch donne à voir une nouvelle
interprétation des thèmes amoureux plus amère encore que dans "La Frise de la
vie". Une pièce au papier peint vert et aux motifs entêtants, dont le plafond
sombre et bas, supplante les paysages élégiaques. Le traitemennt de la
perspective renforce encore l'ambiance oppressante et claustrophobique qui
règne dans ces toiles : il n'est jamais possible de sortir de ces espaces dont
l'unique porte est soit fermée soit occupée par des personnages. une table
ronde au premier plan, souligne le procédé quasi photographique de grand
angle qui alimente le malaise ressenti : le spectateur participe de la scène
comme s'il était assis à celle même table. Ces tableaux témoignent de l'art
introverti d'un Munch toujours à la recherche d'une transcription de ses états
d'âme. Dans cette série qu'il peint au moment où il recontre des difficultés
dans sa relation avec Tulla Larsen, ses amours malheureuses tiennent le
premier rôle.
" Jalousie" 1907
En 1908, mal remis de ses déboires amoureux avec Tulla larsen, affaibli par ses
incessants voyages et ses abus d'alcool, Munch traverse une crise profonde qui
le contraint à se faire hospitaliser dans la clinique psychiatrique du Dr Daniel
Jacobson. Cet épisode semble constituer un véritable tournant dans son
existence.
"La Meurtrière" 1907
son théatre en montant "les Revenants" d'Henrik Ibsen, c'est tout
naturellement à Munch qu'il fait appel. Les "études d'atmosphère" que le
peintre réalise pour ses décors s'inscrivent en effet dans la continuité de son
travail.
Les dramaturges, à l'instar d'Auguste Strindberg, s'orientent alors de plus en
plus vers une esthétique de l'intime : la personnalité et l'univers intérieur des
personnages se retrouvent au centre du drame, et l'espace qu'ils occupent
porte la marque de leurs tourments. Qui mieux que Munch pouvait faire jouer
ce rôle dramatique aux objets, aux meubles ? cette collaboration signe une
évolution dans sa peinture. Il représente alors davantage de personnages figés
dans cet espace clos, dont l'étroitesse renforce une sensation d'étouffement, qui
gagne certes le spectateur, mais qui semble aussi paralyser les personnages
hiératiques. On y retrouve un paradoxe propre au théatre intimiste de
Reinhardt : le spectateur se sent introduit dans l'espace des personnages et
donc dans leur intimité ; cependant, l'attitude crispée et distante de ceux-ci
tend à montrer qu'ils cherchent à repousser cette intrusion.
" A la douce jeune fille". 1907
"la mort est amoureuse de la vie et la douleur est l'amie de la joie"
vers 1915-1930
Dans la série intitulée "La Chambre verte" Munch donne à voir une nouvelle
interprétation des thèmes amoureux plus amère encore que dans "La Frise de la
vie". Une pièce au papier peint vert et aux motifs entêtants, dont le plafond
sombre et bas, supplante les paysages élégiaques. Le traitemennt de la
perspective renforce encore l'ambiance oppressante et claustrophobique qui
règne dans ces toiles : il n'est jamais possible de sortir de ces espaces dont
l'unique porte est soit fermée soit occupée par des personnages. une table
ronde au premier plan, souligne le procédé quasi photographique de grand
angle qui alimente le malaise ressenti : le spectateur participe de la scène
comme s'il était assis à celle même table. Ces tableaux témoignent de l'art
introverti d'un Munch toujours à la recherche d'une transcription de ses états
d'âme. Dans cette série qu'il peint au moment où il recontre des difficultés
dans sa relation avec Tulla Larsen, ses amours malheureuses tiennent le
premier rôle.
" Jalousie" 1907
En 1908, mal remis de ses déboires amoureux avec Tulla larsen, affaibli par ses
incessants voyages et ses abus d'alcool, Munch traverse une crise profonde qui
le contraint à se faire hospitaliser dans la clinique psychiatrique du Dr Daniel
Jacobson. Cet épisode semble constituer un véritable tournant dans son
existence.
"La Meurtrière" 1907
dimanche 19 avril 2020
L'espace optique de Munch
Mais encore un exemple de ses "reprises :
"Je n'ai jamais fait de copies de mes tableaux. Quand j'ai utiisé le même
motif c'est uniquement pour des raisons artistiques et pour approfondir
le motif" (1935
Les Jeunes Filles sur le pont. 1927
Les Jeunes Filles sur le pont. 1901
"La nature n'est pas seulement ce qui est visible à l'oeil. Elle comporte
aussi les images internes de l'âme - les images imprimées sur la rétine"
(1928)
La composition et l'organisation trés particulière de l'espace dans la peinture de
Munch des années 1880-1890 sont marquées par l'impressionnisme, mais
aussi le japonisme et la vision offerte par l'optique instrumentale. Munch eut
sans doute recours pour certaines de ses études à la "camera obscura" ou à la
"camera lucida" et pratiqua lui-même la photographie à partir de 1902.
L'engouement de l'époque pour la photographie stéréostopique, c'est-à-dire en
relief, explique lui aussi nombre des caractéristiques de sa composition. Les
perspectives sont accélérées, les lignes de force très obliques. Le premier plan
proéminent, souvent coupé par le cadre du tableau, renforce la profondeur.
Vers 1900, ces effets optiques vont en s'accentuant. Les corps sont
représentés en raccourci, le point de vue est surplombant. Les personnages, qui
jusqu'alors apparaissaient dans des postures figées, pétrifiées, sont désormais
peints en mouvement ; ils semblent avancer droit sur nous en nous fixant.
Outre la photographie, c'est au cinéma que renvoie la composition de Munch,
en créant l'illusion d'une image "projetée", dont les protagonistes entrent dans
l'espace du spectateur.
"J'ai peint tableau après tableau d'après les impressions saisies par
mon oeil durant des instants d'émotion. J'ai peint les lignes et les
couleurs laissées sur ma rétine- je n'ai alors peint que ce dont je me
souvenais - sans rien ajouter - sans les détails que je ne voyais plus -
en résulte la simplicité de ces tableaux - leur vide apparent". (1928)
La Vigne vierge rouge. 1898-1900
Neige fraîche sur l'avenue. 1906
Ces deux toiles sont très représentatives des compositions de Munch.
Un paradoxe réside dans le malaise qui naît de l'usage simultané d'un effet de
mouvement et d'un arrêt sur image . Les personnages du premier plan sont
projetés vers l'avant et coupés par le cadre ce qui crée un éloignemnt de
l'arrière plan, relayé par la double ligne de force diagonale créée par le chemin.
Dans "Neige fraîche sur l'avenue", les deux silhouettes surgissent de façon
théatrale devant le spectateur tandis que le ciel semble reculer derrière les
rangées d'arbres ondoyantes. L'organisation des formes et des couleurs
témoigne ici de l'influence réciproque des Fauves, aux côtés desquels Munch
exposa la même année au Salon des indépendants. Le protagoniste de" La
Vigne vierge rouge" dégage, comme souvent chez Munch lorsqu'il peint les
visages en vert, un sentiment de tristesse et de désarroi. L'arbre sans feuilles
accentue la morbidité de l'atmosphère. La vigne vierge elle, semble mue d'une
force propre ; nappe sanglante, elle engloutit la maison.
Sur le même principe "Meurtre sur la route. 1919
beaucoup de fuites sur cette toile : la ligne de fuite du chemin, la fuite de la
meurtrière ou d'une passante effrayée ; l'essence des arbres est plus définie.
"Je n'ai jamais fait de copies de mes tableaux. Quand j'ai utiisé le même
motif c'est uniquement pour des raisons artistiques et pour approfondir
le motif" (1935
Les Jeunes Filles sur le pont. 1927
Les Jeunes Filles sur le pont. 1901
"La nature n'est pas seulement ce qui est visible à l'oeil. Elle comporte
aussi les images internes de l'âme - les images imprimées sur la rétine"
(1928)
La composition et l'organisation trés particulière de l'espace dans la peinture de
Munch des années 1880-1890 sont marquées par l'impressionnisme, mais
aussi le japonisme et la vision offerte par l'optique instrumentale. Munch eut
sans doute recours pour certaines de ses études à la "camera obscura" ou à la
"camera lucida" et pratiqua lui-même la photographie à partir de 1902.
L'engouement de l'époque pour la photographie stéréostopique, c'est-à-dire en
relief, explique lui aussi nombre des caractéristiques de sa composition. Les
perspectives sont accélérées, les lignes de force très obliques. Le premier plan
proéminent, souvent coupé par le cadre du tableau, renforce la profondeur.
Vers 1900, ces effets optiques vont en s'accentuant. Les corps sont
représentés en raccourci, le point de vue est surplombant. Les personnages, qui
jusqu'alors apparaissaient dans des postures figées, pétrifiées, sont désormais
peints en mouvement ; ils semblent avancer droit sur nous en nous fixant.
Outre la photographie, c'est au cinéma que renvoie la composition de Munch,
en créant l'illusion d'une image "projetée", dont les protagonistes entrent dans
l'espace du spectateur.
"J'ai peint tableau après tableau d'après les impressions saisies par
mon oeil durant des instants d'émotion. J'ai peint les lignes et les
couleurs laissées sur ma rétine- je n'ai alors peint que ce dont je me
souvenais - sans rien ajouter - sans les détails que je ne voyais plus -
en résulte la simplicité de ces tableaux - leur vide apparent". (1928)
La Vigne vierge rouge. 1898-1900
Neige fraîche sur l'avenue. 1906
Ces deux toiles sont très représentatives des compositions de Munch.
Un paradoxe réside dans le malaise qui naît de l'usage simultané d'un effet de
mouvement et d'un arrêt sur image . Les personnages du premier plan sont
projetés vers l'avant et coupés par le cadre ce qui crée un éloignemnt de
l'arrière plan, relayé par la double ligne de force diagonale créée par le chemin.
Dans "Neige fraîche sur l'avenue", les deux silhouettes surgissent de façon
théatrale devant le spectateur tandis que le ciel semble reculer derrière les
rangées d'arbres ondoyantes. L'organisation des formes et des couleurs
témoigne ici de l'influence réciproque des Fauves, aux côtés desquels Munch
exposa la même année au Salon des indépendants. Le protagoniste de" La
Vigne vierge rouge" dégage, comme souvent chez Munch lorsqu'il peint les
visages en vert, un sentiment de tristesse et de désarroi. L'arbre sans feuilles
accentue la morbidité de l'atmosphère. La vigne vierge elle, semble mue d'une
force propre ; nappe sanglante, elle engloutit la maison.
Sur le même principe "Meurtre sur la route. 1919
beaucoup de fuites sur cette toile : la ligne de fuite du chemin, la fuite de la
meurtrière ou d'une passante effrayée ; l'essence des arbres est plus définie.
samedi 18 avril 2020
Les voyages de Munch
Munch ressent une grande instabilité après la mort de son père en 1889,
plus rien ne le retient, il sillonne la Norvège, il part pour la France,
l'Allemagne, la Hollande, la Belgique et bien sûr l'Italie, trois années à Paris
de 1889 à 1892, où il découvre l'art de Van Gogh et fréquente l'atelier de Léon
Bonnat. Il délaisse définitivement le naturalisme pour s'essayer à la technique
de l'impressionisme st du post-impressionisme.
"On ne devrait plus peindre d'intérieurs, plus de gens qui lisent, plus
de femmes qui tricotent. Ce devrait être des personnes vivantes qui
respirent, s'émeuvent, s'ouffrent et aiment".
Sa carrière rend un tournant décisif à Berlin en 1892 lorsque invité par
l'Association des artistes berlinois, il expose une cinquantaine d'ouvres. leur
aspect fragmentaire et inachevé, marques importantes de la modernité et de
l'art du XX ème siècle , déclenche une vive polémique dont les retombées seront
positives aussi bien pour l'art allemnad - puisqu'il est à l'origine de la création
de la Sécession berlinoise - que pour Munch qui, du jour au lendemain, devient
célèbre en Allemagne. Décidé à reter à Berlin il fréquent le cercle littéraire à
la taverne "Au porcelet noir". Il va pouvoir vivre convenablement de son art
grâce à ses mécènes Max Lind et Gustav Schieffer et deux marchands d'art,
Bruno Cassirer à Berlin et Commeter à Hambourg. Il explore alors la
souffrance, l'amour, la douleur et la mort et crée une série d'oeuvres qu'il
organise en cycle et qu'il intitule "La frise de la vie"
Ce ne sont pas les nymphéas qui courent sur les murs comme pour les oeuvres
de Monet mais quatre grandes séries "Eveil de l'amour" Epanouissement et
déclin de l'amour" "Angoisse de vivre" et "Mort". Englobant les toiles les plus
connues, cette frise est une suite mouvante qui évolue et s'enrichit, chaque
oeuvre vendue est remplacée par une nouvelle version.
"Deux êtres s'embrassent ici au sens le plus plein du terme. L'étreinte est si
forte que leurs visages se confondent en une "flaque de chair liquéfiée" selon
les mots de Stanislas Przybyskewski, le premier biographe de Munch. Dans les
bras l'un de l'autre, ces deux amants semblent retirés en eux, loin du reste du
monde, confinés dans un petit triangle de lumière aperçu derrière le rideau.
L'intensité de leur émotion est dépeinte de façon caractéristique chez Munch
avec des volutes qui soulignent la silhouette de la figure qu'ils forment. Ces
lignes ondulantes auréolent le couple, enrobant les deux êtres d'un halo de
vibration émotionnelle qui évoque les courbes de l'Art nouveau. Ce style sera
renforcé dans une toile plus tardive reprenant le même motif :" Le Baiser sur
la plage au clair de lune". Le reflet de la lune glissant sur l'eau, présent dans
de nombreuses oeuvres de Munch, accompagne cette fusion "liquide" du
couple".
"Ses cheveux couleur sang m'avaient enveloppé - ils s'étaient enroulés
autour de moi comme des serpents rouge sang - leurs fils les plus fins
s'étaient emmêlés dans mon coeur."
" Le Cri, Le Baiser, Vampire, Madone... font partie des tableaux majeurs de"
La Frise de la vie". Vampire rassemble trois grands thèmes de la série: l'amour,
l'angoisse, la mort. La femme à la chevelure rouge semble pomper l'énergie
vitale de l'homme qu'elle étreint d'un bras puissant. Ou bien est-ce un
murmure qu'elle glisse à son oreille ? Les deux ne semblent pas s'exclure, mais
être inéluctablement liés, comme l'amour le serait à la douleur.
Amour et douleur fut d'ailleurs le premier titre de ce tableau qui donne à voir la
complexité et l'ambiguité des sentiments. La chevelure féminine revêt chez
Munch, comme chez Charles Baudelaire, une importance particulière.
"La longue chevelure est une sorte de fil téléphonique" selon le peintre, qui
relie en pensée les amants, même lorsqu'ils sont séparés, et reste toujours
associée à la souffrance. "... je continuais à ressentir la douleur dans mon
coeur qui saignait - car ces fils ne pouvaient s'en arracher "
plus rien ne le retient, il sillonne la Norvège, il part pour la France,
l'Allemagne, la Hollande, la Belgique et bien sûr l'Italie, trois années à Paris
de 1889 à 1892, où il découvre l'art de Van Gogh et fréquente l'atelier de Léon
Bonnat. Il délaisse définitivement le naturalisme pour s'essayer à la technique
de l'impressionisme st du post-impressionisme.
"On ne devrait plus peindre d'intérieurs, plus de gens qui lisent, plus
de femmes qui tricotent. Ce devrait être des personnes vivantes qui
respirent, s'émeuvent, s'ouffrent et aiment".
Sa carrière rend un tournant décisif à Berlin en 1892 lorsque invité par
l'Association des artistes berlinois, il expose une cinquantaine d'ouvres. leur
aspect fragmentaire et inachevé, marques importantes de la modernité et de
l'art du XX ème siècle , déclenche une vive polémique dont les retombées seront
positives aussi bien pour l'art allemnad - puisqu'il est à l'origine de la création
de la Sécession berlinoise - que pour Munch qui, du jour au lendemain, devient
célèbre en Allemagne. Décidé à reter à Berlin il fréquent le cercle littéraire à
la taverne "Au porcelet noir". Il va pouvoir vivre convenablement de son art
grâce à ses mécènes Max Lind et Gustav Schieffer et deux marchands d'art,
Bruno Cassirer à Berlin et Commeter à Hambourg. Il explore alors la
souffrance, l'amour, la douleur et la mort et crée une série d'oeuvres qu'il
organise en cycle et qu'il intitule "La frise de la vie"
Ce ne sont pas les nymphéas qui courent sur les murs comme pour les oeuvres
de Monet mais quatre grandes séries "Eveil de l'amour" Epanouissement et
déclin de l'amour" "Angoisse de vivre" et "Mort". Englobant les toiles les plus
connues, cette frise est une suite mouvante qui évolue et s'enrichit, chaque
oeuvre vendue est remplacée par une nouvelle version.
"Deux êtres s'embrassent ici au sens le plus plein du terme. L'étreinte est si
forte que leurs visages se confondent en une "flaque de chair liquéfiée" selon
les mots de Stanislas Przybyskewski, le premier biographe de Munch. Dans les
bras l'un de l'autre, ces deux amants semblent retirés en eux, loin du reste du
monde, confinés dans un petit triangle de lumière aperçu derrière le rideau.
L'intensité de leur émotion est dépeinte de façon caractéristique chez Munch
avec des volutes qui soulignent la silhouette de la figure qu'ils forment. Ces
lignes ondulantes auréolent le couple, enrobant les deux êtres d'un halo de
vibration émotionnelle qui évoque les courbes de l'Art nouveau. Ce style sera
renforcé dans une toile plus tardive reprenant le même motif :" Le Baiser sur
la plage au clair de lune". Le reflet de la lune glissant sur l'eau, présent dans
de nombreuses oeuvres de Munch, accompagne cette fusion "liquide" du
couple".
"Ses cheveux couleur sang m'avaient enveloppé - ils s'étaient enroulés
autour de moi comme des serpents rouge sang - leurs fils les plus fins
s'étaient emmêlés dans mon coeur."
" Le Cri, Le Baiser, Vampire, Madone... font partie des tableaux majeurs de"
La Frise de la vie". Vampire rassemble trois grands thèmes de la série: l'amour,
l'angoisse, la mort. La femme à la chevelure rouge semble pomper l'énergie
vitale de l'homme qu'elle étreint d'un bras puissant. Ou bien est-ce un
murmure qu'elle glisse à son oreille ? Les deux ne semblent pas s'exclure, mais
être inéluctablement liés, comme l'amour le serait à la douleur.
Amour et douleur fut d'ailleurs le premier titre de ce tableau qui donne à voir la
complexité et l'ambiguité des sentiments. La chevelure féminine revêt chez
Munch, comme chez Charles Baudelaire, une importance particulière.
"La longue chevelure est une sorte de fil téléphonique" selon le peintre, qui
relie en pensée les amants, même lorsqu'ils sont séparés, et reste toujours
associée à la souffrance. "... je continuais à ressentir la douleur dans mon
coeur qui saignait - car ces fils ne pouvaient s'en arracher "
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