lundi 2 janvier 2017
suite de l'exposiion
J'avais expliqué hier soir les raisons pour lesquelles j'étais particulièrement sensible à cette exposition, puis j'ai supprimé ce paragraphe mettant en exergue l'humilité et l'effacement de soi face à la nature et à l'art qui s'expriment ici de toute autre façon avec toute fois une petite réminiscence pour les articles précédents.
Et retour au grand air
dimanche 1 janvier 2017
De Foudre et de Diamant
Ce n'est pas la foudre de Jupiter ni un diamant de la De Beers : c'est une magnifique exposition au coeur de Toulouse et je ne vous amènerai qu'un peu plus tard aux Amériques.
Ce soir nous partons pour le Tibet ; c'est un grand merci à Matthieu Ricard de nous avoir amené la sagesse Tibétaine, de pouvoir méditer devant les thangkas et de nous arrêter nous aussi pour contempler ses paysages photographiés qui sont à couper le souffle.
Et c'est pour moi un grand plaisir de vous offrir ce reportage en vous présentant mes voeux pour une bonne année 2017.
Pour ce soir, c'est l'entrée en matière et dès la cour du Musée Paul Dupuy on est "dans le bain" !...
La démarche de Matthieu Ricard nous propose aussi de cultiver l'altruisme dans nos coeurs et nos actions afin de briser le cycle de la pauvreté et de participer par un don à Karuna-Shechen.
http://karuna-shechen.org/
Vous ne savez peut-être pas qui est Matthieu Ricard ?
J'espère que le voyage sur ces sommets va vous intéresser : en "sommets" je parle des montagnes, mais aussi de la pensée.
Quand vous en avez aussi la possiblité, asseyez-vous aussi devant un paysage pour mieux vous connaître.
ma photo préférée de Matthieu Ricard, parmi ses tirages que vous pouvez acquérir au profit de son association.
Ce soir nous partons pour le Tibet ; c'est un grand merci à Matthieu Ricard de nous avoir amené la sagesse Tibétaine, de pouvoir méditer devant les thangkas et de nous arrêter nous aussi pour contempler ses paysages photographiés qui sont à couper le souffle.
Et c'est pour moi un grand plaisir de vous offrir ce reportage en vous présentant mes voeux pour une bonne année 2017.
Pour ce soir, c'est l'entrée en matière et dès la cour du Musée Paul Dupuy on est "dans le bain" !...
http://karuna-shechen.org/
Vous ne savez peut-être pas qui est Matthieu Ricard ?
ma photo préférée de Matthieu Ricard, parmi ses tirages que vous pouvez acquérir au profit de son association.
jeudi 29 décembre 2016
Petit tour d' Europe
Comme prévu , aujourd'hui l'Italie et peut-être plus .
J'avais espéré boucler ce sujet avant le 31 décembre et ce ne sera pas le cas , il nous restera les Amériques, l'Australie, le Japon.... ce serait dommage d'ignorer l'expression artistique de ces pays en matière de parure, puisque l'homme au sens large du terme, s'est toujours paré et jusque dans sa tombe.
En voilà deux qui ont trouvé le système pour créer leurs bijoux sans l'aide des orfèvres de métier.
Le premier, Bruno Martinazzi, le second, Arnaldo Pomodoro, le plus surprenant c'est qu'ils sont tous deux des sculpteurs de renommée internationale et qu'ils dominent leur sujet avec une suprématie incontestable.
On ne viendra plus me dire que études scientifiques et artistiques sont incompatibles !
de Martinazzi , bague or blanc et jaune "Pomme"
Martinazzi est d'abord chimiste, puis sculpteur : il est certain que travailler l'or, demande certaines connaissances, qu'il met à profit pour traiter cette matière en couches successives, or blanc, or jaune et platine, une pierre colorée attirant l'attention sur le bijou.
broche aux ors de teintes différentes figurant un oeil, thème favori de Martinazzi
Arnoldo Pomodoro en collaboration avec son frère Gio, le premier architecte et le second peintre-dessinateur graphique créent des bijoux qui ne se constituent pas par couches successives mais font preuve d'une réalisation préalablement conçue dans son ensemble, gardant malgré tout une certaine fluidité.
ors de différentes teintes, bagues des frères Pomodoro
Mais ils ne sont pas les seuls peintres ou sculpteurs qui ont mis cette forme d'art à l'honneur ; Lucio Fontana, Giogio de Chirico, Pietro Gentili ou Pietro Consagra
Giogio de Chirico pendentif en argent doré
Bulgari est évidemment le plus connu d'entre eux et le plus classique
Poursuivons le voyage plus au Nord.
Il n'y a pas que des coucous et des horlogers en Suisse.
Un autre dessinateur- créateur des firmes Omega et Patek Philippe, en l'occurence Gilbert Albert se distingue par des créations qui lui valent d'être récompensé par plusieurs Oscars de la De Beers Diamonds- International Awards
coquillage et perle baroque avec brillants de Gilbert Albert
Il se distingue aussi par la mise en place, dans ses bijoux, de météorites.
Amoureux de la nature, il présente pour la première fois cette innovation à la Goldsmith's exposition de 1965, insistant sur la prééminence du dessin plutôt que la valeur de l'objet.
Jean Lurçat, notre célèbre peintre et lissier produisit une collection pour la Patek Philippe. Feuille soleil de Lurçat
Plus au Nord encore, en Allemagne, à Pforzheim, ce sont plusieurs ateliers- boutiques qui présentent leurs créations dont celui de Reinhold Reiling.
On remarque que tous ces créateurs se font connaître à Londres lors des expositions de 1961.
Reinhold Reiling
Ce dernier évolue des formes géométriques vers d'autres, plus assymétriques employant des pierres de lune, des quartz, des saphirs qui sont (ceci dit en passant) des corindons, des perles et des diamants.
Un autre styliste acquit une renommée internationale, aussi (comme je vous le disais), à la suite de l'exposition de 1961. Ne soyez donc plus surpris si je vous dis que sa formation d'ingénieur aéronautique influera sur le design de sa joaillerie, c'est Friedrich Becker qui expose plus de cent cinquante pièces en 1966 au Goldsmith's Hall.
Tout au long de ce survol des joailleries mondiales au cours des siècles nous les avons vues évoluer, se diversifier mais avec toujours les mêmes bases héritées de l'Antiquité.
En matière d'innovation l'Autrichien Fritz Maierhofer et deux jeunes dessinateurs allemands Gerd Rothmann et Claus Bury n'ont pas hésité à proposer des bijoux en acrylique, assez peu suivis dans leur démarche car le bijou atteint malgré tout un certain prix, justifié par la difficulté du travail.
Claus Bury
Passons en Scandinavie avec Georg Jensen qui crée sa compagnie à Copenhague en 1906, nous l'avons vu, pendant l'Art Nouveau..
collier en argent dessiné par Henning Koppel pour Jensen
Il aime travailler l'argent. La Scandinavie fait preuve de beaucoup de "modernité"
La "Den Permanente" au Danemark diffuse toujours l'artisanat actuel.
Mais, sans doute, fait moins connu, c'est la Finlande qui se remarque et se distingue avec de surprenants designers.
Encore un sculpteur !!! Tappio Wirkkala et c'est encore au Godsmith's Hall qu'il présente des bijoux figuratifs travaillés avec la technique du repoussé en feuilles d'or : ou en argent, collier "Full Moon" ci-dessous
Tappio Wirkkala
Un autre finlandais, Björn Weckstrôm diffuse sa production avec la firme Lapponia, fondues en série et décorées de pierres laissées à l'état brut : ses bijoux sont de forme assez importantes..
En ce qui concerne la France je ne peux refermer cet article sans évoquer François Hugo qui réalise les bijoux dessinés par Picasso, Ernst ou Cocteau , ni Dinh Van ou Costanza avec ses bijoux-sculptures ou Jean Filhos.
http://www.ina.fr/video/CPF86632255
http://catalogue.gazette-drouot.com/ref/lot-ventes-aux-encheres.jsp?id=1451678
https://www.pinterest.com/finlandjewelry/bj%C3%B6rn-weckstr%C3%B6m/
http://fresques.ina.fr/europe-des-cultures-en/fiche-media/Europe00015/danish-design-den-permanente.html
à suivre
J'avais espéré boucler ce sujet avant le 31 décembre et ce ne sera pas le cas , il nous restera les Amériques, l'Australie, le Japon.... ce serait dommage d'ignorer l'expression artistique de ces pays en matière de parure, puisque l'homme au sens large du terme, s'est toujours paré et jusque dans sa tombe.
En voilà deux qui ont trouvé le système pour créer leurs bijoux sans l'aide des orfèvres de métier.
Le premier, Bruno Martinazzi, le second, Arnaldo Pomodoro, le plus surprenant c'est qu'ils sont tous deux des sculpteurs de renommée internationale et qu'ils dominent leur sujet avec une suprématie incontestable.
On ne viendra plus me dire que études scientifiques et artistiques sont incompatibles !
broche aux ors de teintes différentes figurant un oeil, thème favori de Martinazzi
Arnoldo Pomodoro en collaboration avec son frère Gio, le premier architecte et le second peintre-dessinateur graphique créent des bijoux qui ne se constituent pas par couches successives mais font preuve d'une réalisation préalablement conçue dans son ensemble, gardant malgré tout une certaine fluidité.
Mais ils ne sont pas les seuls peintres ou sculpteurs qui ont mis cette forme d'art à l'honneur ; Lucio Fontana, Giogio de Chirico, Pietro Gentili ou Pietro Consagra
Bulgari est évidemment le plus connu d'entre eux et le plus classique
Poursuivons le voyage plus au Nord.
Il n'y a pas que des coucous et des horlogers en Suisse.
Un autre dessinateur- créateur des firmes Omega et Patek Philippe, en l'occurence Gilbert Albert se distingue par des créations qui lui valent d'être récompensé par plusieurs Oscars de la De Beers Diamonds- International Awards
Il se distingue aussi par la mise en place, dans ses bijoux, de météorites.
Amoureux de la nature, il présente pour la première fois cette innovation à la Goldsmith's exposition de 1965, insistant sur la prééminence du dessin plutôt que la valeur de l'objet.
Jean Lurçat, notre célèbre peintre et lissier produisit une collection pour la Patek Philippe. Feuille soleil de Lurçat
On remarque que tous ces créateurs se font connaître à Londres lors des expositions de 1961.
Reinhold Reiling
Ce dernier évolue des formes géométriques vers d'autres, plus assymétriques employant des pierres de lune, des quartz, des saphirs qui sont (ceci dit en passant) des corindons, des perles et des diamants.
Un autre styliste acquit une renommée internationale, aussi (comme je vous le disais), à la suite de l'exposition de 1961. Ne soyez donc plus surpris si je vous dis que sa formation d'ingénieur aéronautique influera sur le design de sa joaillerie, c'est Friedrich Becker qui expose plus de cent cinquante pièces en 1966 au Goldsmith's Hall.
Tout au long de ce survol des joailleries mondiales au cours des siècles nous les avons vues évoluer, se diversifier mais avec toujours les mêmes bases héritées de l'Antiquité.
En matière d'innovation l'Autrichien Fritz Maierhofer et deux jeunes dessinateurs allemands Gerd Rothmann et Claus Bury n'ont pas hésité à proposer des bijoux en acrylique, assez peu suivis dans leur démarche car le bijou atteint malgré tout un certain prix, justifié par la difficulté du travail.
Claus Bury
Passons en Scandinavie avec Georg Jensen qui crée sa compagnie à Copenhague en 1906, nous l'avons vu, pendant l'Art Nouveau..
collier en argent dessiné par Henning Koppel pour JensenIl aime travailler l'argent. La Scandinavie fait preuve de beaucoup de "modernité"
La "Den Permanente" au Danemark diffuse toujours l'artisanat actuel.
Mais, sans doute, fait moins connu, c'est la Finlande qui se remarque et se distingue avec de surprenants designers.
Encore un sculpteur !!! Tappio Wirkkala et c'est encore au Godsmith's Hall qu'il présente des bijoux figuratifs travaillés avec la technique du repoussé en feuilles d'or : ou en argent, collier "Full Moon" ci-dessous
Un autre finlandais, Björn Weckstrôm diffuse sa production avec la firme Lapponia, fondues en série et décorées de pierres laissées à l'état brut : ses bijoux sont de forme assez importantes..
En ce qui concerne la France je ne peux refermer cet article sans évoquer François Hugo qui réalise les bijoux dessinés par Picasso, Ernst ou Cocteau , ni Dinh Van ou Costanza avec ses bijoux-sculptures ou Jean Filhos.
http://www.ina.fr/video/CPF86632255
http://catalogue.gazette-drouot.com/ref/lot-ventes-aux-encheres.jsp?id=1451678
https://www.pinterest.com/finlandjewelry/bj%C3%B6rn-weckstr%C3%B6m/
http://fresques.ina.fr/europe-des-cultures-en/fiche-media/Europe00015/danish-design-den-permanente.html
à suivre
mercredi 28 décembre 2016
Au XXème siècle
Où l'on voit que les diamants n'ont pas perdu la cote et que des joaillers comme Cartier, Bulgari, Boucheron, Asprey ou Frost à New-York sont déjà d'actualité dans les toutes premières années de ce siècle.
Une innovation majeure est l'apparition du platine qui remplace l'argent dans la monture des diamants : il faudra attendre 1918 pour qu'éclate véritablement la renaissance de la joaillerie après une guerre où l'on a plutôt fabriqué des canons.
A cette période donc, on assiste à deux productions celle des" grandes maisons "que je viens d'évoquer et celle des artisans, petits ateliers qui seront très créatifs.
Je vais donc passer en revue une nouvelle période, l'entre-deux guerres".
celle de 14-18 et celle qui débutera en 1939.
Les années 30, dites les années folles donneront lieu à quelques productions qui marqueront leur époque comme l'a marqué l'art nouveau précédemment.
or, émaux diamants. 1930.
S'afficher avec des bijoux faisait preuve d'une certaine prospérité.
Mais c'est à Weimar en 1919 que né le Bauhaus; Walter Gropius souhaite former une "communauté de bâtisseurs" regroupant architectes, sculpteurs peintres comme Kandinsky ou Klee : ils influencèrent la joaillerie qui se manifesta par des lignes géométriques avec notamment Paul Brandt et Jean Fouquet.
Broche onyx corail et diamants en pavé. Boucheron d'aprés un dessin de Massé. vers 1925
Le bijou n'était plus forcément un investissement de valeur mais une preuve de créativité. où s'illustraient Fouquet, George Bastard, Wiwen Nilsson, et quelques autres.
Platine, brillants, émaux 1925 Raymond Templier
Mais survient la crise économique de 1929 qui se répercute sur la joaillerie suivie d'une nouvelle stabilisation de l'économie en 1936 mais de courte durée puisque survient la guerre de 1939.
Il fallut bien une quinzaine d'années après 1945 pour que la situation se rétablisse et c'est alors que surviennent des artistes de renom comme Calder et Giacometti qui produit un temps des boutons et des bagues.
Alexandre Calder expose pour la première fois une série de bijoux qui se caractérisent par une interprétation originale dénuée d'intérêt pour la valeur intrinsèque des matières, Il sera suivi par d'autres peintres et sculpteurs qui s'essayent à leur tour à la joaillerie, Man Ray, Tanguy, Arp, Cocteau, Chirico ou Dubuffet.
Mais deux d'entre eux s'adonnent à la joaillerie sans réserve :ce sont Georges Braque et Salvador Dali.
Georges Braque avait un collaborateur en la personne d' Henri-Michel Heger de Löwenfeld.
Braque avait une prédilection pour les sujets de la mythologie ; or, lapis-lazuli ,rhodochrosites, or filigrané ou poli ou bien encore érodé supportent des papillons en diamants, butinant des fleurs en rubis.
Le retour d'Icare à Lacédémone réalisé par Heger de Löwenfelf pour Braque en 1963 : diamants sur fond de jaspe et or
Dali, aussi, se passionna pour la joaillerie avec cette originalité que nous lui connaissons dans sa peinture.
C'est la Owen Cheatham Foundation qui conserve sa collection de bijoux.
" L'homme ne peut échapperà son temps ni le changer.
L'oeil voit le présent et le futur"
commentaire de Dali pour cet "Oeil du temps" platine émaillé, diamants en baguette et rubis.
Cette intervention d'artistes issus d'autres formations artistiques présentait un inconvénient pour la réalisation technique de ces oeuvres dont ils n'avaient pas "le métier" des orfèvres professionnels.
La liberté d'expression était ainsi privilégiée laissant la porte ouverte à tous les jeunes créateurs qui ne se souciaient pas d'utiliser des matériaux de qualité.
Les choses sont peut-être différentes pour d'autres pays que la France .
Nous avons déjà vu que les Expositions Internationales sont un moyen de promouvoir plusieurs productions.
En ce qui concerne la joaillerie celle de 1961 organisée à Londres par Graham Hughes où vingt-huit pays exposent plus de mille pièces relance l'intérêt du public.
Je retrouve souvent dans les "CV" de ces artistes une formationn précédente d'ingénieur : souvent dessinateurs, c'est le cas d'Andrew Grima, exposant , déjà dans le métier au sein de la H.J Company qu'il crée en 1946.
Ce dernier base sa fabrication sur des débris d'or qu'il fond en y plaçant des pierres précieuses mais il sait aussi être commerçant et vend lui-même sa production dans la Jermyn Street à Londres.
John Donald se spécialise dans le sertissage de cristaux naturels sur monture d'or qu'il crée pour la Goldsmiths'Company.
Mais à l'exposition de 1961 c'est aussi une femme, née à Innsbruck de parents autrichiens, venue s'instruire à la St Martin's School of Art, qui expose : Gerda Flockinger met en oeuvre des bijoux ou filigranes ou ajours entourant des pierres en cabochon.
Récompensée par une exposition au Victoria and Albert Museum en 1970 ,elle ne sera pas la seule.
Il se trouve que la plupart des plus célèbres designers contemporains sont des femmes dont Patricia Tormey originaire de Dublin qui se distingue par des techniques très personnelles (bombardements d'or fondu sur plateaux de lentilles ou compositions qui en y regardant bien sont plutôt d'inspiration érotique).
D'autres aussi Gillian Packard et Catherine Mannheim aux figurations très opposées.
Mention doit être faite de Louis Osman qui fabriqua la couronne du Prince de Galles.
Mais si vous allez à Londres partez à leur recherche chez Andrew Grima, à l'Electrum Gallery, chez Hooper Bolton ou à l'Oxford Gallery etc
Demain nous partirons en Italie
Une innovation majeure est l'apparition du platine qui remplace l'argent dans la monture des diamants : il faudra attendre 1918 pour qu'éclate véritablement la renaissance de la joaillerie après une guerre où l'on a plutôt fabriqué des canons.
A cette période donc, on assiste à deux productions celle des" grandes maisons "que je viens d'évoquer et celle des artisans, petits ateliers qui seront très créatifs.
Je vais donc passer en revue une nouvelle période, l'entre-deux guerres".
celle de 14-18 et celle qui débutera en 1939.
Les années 30, dites les années folles donneront lieu à quelques productions qui marqueront leur époque comme l'a marqué l'art nouveau précédemment.
S'afficher avec des bijoux faisait preuve d'une certaine prospérité.
Mais c'est à Weimar en 1919 que né le Bauhaus; Walter Gropius souhaite former une "communauté de bâtisseurs" regroupant architectes, sculpteurs peintres comme Kandinsky ou Klee : ils influencèrent la joaillerie qui se manifesta par des lignes géométriques avec notamment Paul Brandt et Jean Fouquet.
Le bijou n'était plus forcément un investissement de valeur mais une preuve de créativité. où s'illustraient Fouquet, George Bastard, Wiwen Nilsson, et quelques autres.
Mais survient la crise économique de 1929 qui se répercute sur la joaillerie suivie d'une nouvelle stabilisation de l'économie en 1936 mais de courte durée puisque survient la guerre de 1939.
Il fallut bien une quinzaine d'années après 1945 pour que la situation se rétablisse et c'est alors que surviennent des artistes de renom comme Calder et Giacometti qui produit un temps des boutons et des bagues.
Alexandre Calder expose pour la première fois une série de bijoux qui se caractérisent par une interprétation originale dénuée d'intérêt pour la valeur intrinsèque des matières, Il sera suivi par d'autres peintres et sculpteurs qui s'essayent à leur tour à la joaillerie, Man Ray, Tanguy, Arp, Cocteau, Chirico ou Dubuffet.
Mais deux d'entre eux s'adonnent à la joaillerie sans réserve :ce sont Georges Braque et Salvador Dali.
Georges Braque avait un collaborateur en la personne d' Henri-Michel Heger de Löwenfeld.
Braque avait une prédilection pour les sujets de la mythologie ; or, lapis-lazuli ,rhodochrosites, or filigrané ou poli ou bien encore érodé supportent des papillons en diamants, butinant des fleurs en rubis.
Le retour d'Icare à Lacédémone réalisé par Heger de Löwenfelf pour Braque en 1963 : diamants sur fond de jaspe et or
Dali, aussi, se passionna pour la joaillerie avec cette originalité que nous lui connaissons dans sa peinture.
C'est la Owen Cheatham Foundation qui conserve sa collection de bijoux.
L'oeil voit le présent et le futur"
commentaire de Dali pour cet "Oeil du temps" platine émaillé, diamants en baguette et rubis.
Cette intervention d'artistes issus d'autres formations artistiques présentait un inconvénient pour la réalisation technique de ces oeuvres dont ils n'avaient pas "le métier" des orfèvres professionnels.
La liberté d'expression était ainsi privilégiée laissant la porte ouverte à tous les jeunes créateurs qui ne se souciaient pas d'utiliser des matériaux de qualité.
Les choses sont peut-être différentes pour d'autres pays que la France .
Nous avons déjà vu que les Expositions Internationales sont un moyen de promouvoir plusieurs productions.
En ce qui concerne la joaillerie celle de 1961 organisée à Londres par Graham Hughes où vingt-huit pays exposent plus de mille pièces relance l'intérêt du public.
Je retrouve souvent dans les "CV" de ces artistes une formationn précédente d'ingénieur : souvent dessinateurs, c'est le cas d'Andrew Grima, exposant , déjà dans le métier au sein de la H.J Company qu'il crée en 1946.
Ce dernier base sa fabrication sur des débris d'or qu'il fond en y plaçant des pierres précieuses mais il sait aussi être commerçant et vend lui-même sa production dans la Jermyn Street à Londres.
John Donald se spécialise dans le sertissage de cristaux naturels sur monture d'or qu'il crée pour la Goldsmiths'Company.
Mais à l'exposition de 1961 c'est aussi une femme, née à Innsbruck de parents autrichiens, venue s'instruire à la St Martin's School of Art, qui expose : Gerda Flockinger met en oeuvre des bijoux ou filigranes ou ajours entourant des pierres en cabochon.
Récompensée par une exposition au Victoria and Albert Museum en 1970 ,elle ne sera pas la seule.
Il se trouve que la plupart des plus célèbres designers contemporains sont des femmes dont Patricia Tormey originaire de Dublin qui se distingue par des techniques très personnelles (bombardements d'or fondu sur plateaux de lentilles ou compositions qui en y regardant bien sont plutôt d'inspiration érotique).
D'autres aussi Gillian Packard et Catherine Mannheim aux figurations très opposées.
Mention doit être faite de Louis Osman qui fabriqua la couronne du Prince de Galles.
Mais si vous allez à Londres partez à leur recherche chez Andrew Grima, à l'Electrum Gallery, chez Hooper Bolton ou à l'Oxford Gallery etc
Demain nous partirons en Italie
mardi 27 décembre 2016
Fin du XIX ème
De cette fin de siècle au XX ème, déjà dépassé !!!!, fleurit une brève mais riche période que l'on peut délimiter à peu prés entre deux guerres, une fois de plus : 1870 avec Sedan et la nouvelle, 1914- 1918 c'est l'Art Nouveau.
En 1895 s'ouvre à Paris "La maison de l'art nouveau" pilotée par Samuel Bing : ce concept voit le jour en Belgique en 1884.
Toute l'Europe se l'approprie en des termes différents, mettant en scène les mêmes motifs, floral, nouille, anguille : en Allemagne, c'est le Jugendstil, en Autriche, le Sezessionsstil ; en Italie, le Liberty stile ; en Espagne, l'Arte joven.
En France, l'on se partage entre Modern style, Belle Epoque, fin de siècle.
Walter Crane dans la revue anglaise Art Nouveau Illustrated souhaite une renaissance des arts appliqués ;;les artistes devenant artisans et les artisans devenant des artistes.
or émaux brillants . George Fouquet
De grands artistes contribuent à cette nouvelle approche des arts.
Toulouse Lautrec et Alphonse Mucha font des affiches, Bonnard et Vuillard peignent des meubles ; s'illustre aussi dans l'art des affiches, Aubrey Beardsley.
C'est cette volonté de promouvoir les arts appliqués qui est en réalité à l'origine de cet "art nouveau". William Morris souhaitait donner une dimension sociale à ses créations, en façonnant des objets utiles, présentant un caractére artistique à un prix modéré.
Etoffes, meubles, présentent des influences diverses, souvent orientalistes, reflets des échanges commerciaux avec le Japon ou découverts lors des Expositions internationales.
Mais venons-en aux bijoux ; en 1888, C.r Ashbee, architecte mais orfévre veut tester les idées de Morris et crée la Guild of Handicraft. Ses créations sont particulièrement caractéristiques de cette période.
C'est toutefois à Paris que s'affichent les paons , les lys, ... que ce style s'épanouit avec des noms d'artistes célèbres comme Lalique, Fouquet et Vallin (pour les jardins, il faut évoquer Majorelle et son célèbre jardin marrakchi ).
Lalique or, ivoire, émaux, perle baroque, brillants
Si Lalique est plus souvent connu pour ses verres il partage avec Fabergé les honneurs de l'Exposition universelle de 1900. Dans sa conception du bijou, la valeur commerciale ne doit pas intervenir ; il va de ce fait utiliser le verre chaque fois qu'il jugera sa présence utile en union avec les métaux dont il devient l'utilisateur privilégié (émaux de plique - à - jour ).
La tendance naturaliste est donc au goût du jour ; animaux variés, poissons, plantes ou insectes, réalistes ou stylisés. mais très, très ....prisés : mille cinq cent francs de l'époque déboursés par le Kunstindistrimuseet de Copenhague pour une broche à chapeaux.
Mais il n'y a pas que du verre or, argent, opale, verre, corne et diamants !!!
Lalique va chercher son inspiration dans les estampes japonaises et orientales, même si les formes de la Renaissance figurent encore.
Au salon de Paris de 1896 le thème central du bijou devient le nu en ivoire.
Si nombre de bijoux de la période précédente sont la propriété du Victoria and Albert Museum c'est à Lisbonne qu'il vous faut aller pour admirer la plus belle de ces collections d'art nouveau, à la Fondation Gulbenkian.
Un autre orfèvre est aussi de renommée mondiale c'est Fouquet qui collabore avec Mucha, Lalique : le plus célèbre d'entre ses bijoux est celui dessiné pour Sarah Bernhardt dans son rôle de Cléopâtre.
trois tours de poignets en or et émaux pour ce serpent,
tête en opale avec des yeux de rubis.
Un autre artiste, Henri Vever nous permet d'avoir un regard "éclairé" sur le style Art Nouveau, grâce à son livre "La Bijouterie française au XIX ème siècle".
Il inspira peut-être les Danois dont Georg Jensen et la découverte de ses bijoux vous amènera à Copenhague à la Direction Centrale Jensen.
La Norvège n'est pas en reste avec ses émaux "pique-à- jour".
En Belgique le "Cercle des Vingt" s'était donné pour but de rompre avec le passé et de réagir en même temps contre la mécanisation.
On peut citer Morris, Mackmurdo mais aussi Van de Velde qui toucha à tous les arts appliqués en se rapprochant du Baunhaus Allemand.
Wolfers, avant de se consacrer définitivement à la sculpture, s'illustra comme joailler de la Couronne
ravissante orchidée de Philippe Wolfers
or, diamants, rubis.
C'était un survol de cette période, très marquée par une inspiration végétale aux formes très caractéristiques que l'on rencontre encore en architecture au détour d'un chemin.
J'ai été "emballée" par la Sécession à Vienne.
Il faudrait que je scanne quelques photos de ce voyage, n'est ce pas Annette?
Georges Fouquet or et émaux
http://www.maglm.fr/post/2015/04/05/au-temps-de-klimt-la-secession-a-vienne-pinacotheque-de-paris/
à suivre
En 1895 s'ouvre à Paris "La maison de l'art nouveau" pilotée par Samuel Bing : ce concept voit le jour en Belgique en 1884.
Toute l'Europe se l'approprie en des termes différents, mettant en scène les mêmes motifs, floral, nouille, anguille : en Allemagne, c'est le Jugendstil, en Autriche, le Sezessionsstil ; en Italie, le Liberty stile ; en Espagne, l'Arte joven.
En France, l'on se partage entre Modern style, Belle Epoque, fin de siècle.
Walter Crane dans la revue anglaise Art Nouveau Illustrated souhaite une renaissance des arts appliqués ;;les artistes devenant artisans et les artisans devenant des artistes.
or émaux brillants . George Fouquet
De grands artistes contribuent à cette nouvelle approche des arts.
Toulouse Lautrec et Alphonse Mucha font des affiches, Bonnard et Vuillard peignent des meubles ; s'illustre aussi dans l'art des affiches, Aubrey Beardsley.
C'est cette volonté de promouvoir les arts appliqués qui est en réalité à l'origine de cet "art nouveau". William Morris souhaitait donner une dimension sociale à ses créations, en façonnant des objets utiles, présentant un caractére artistique à un prix modéré.
Etoffes, meubles, présentent des influences diverses, souvent orientalistes, reflets des échanges commerciaux avec le Japon ou découverts lors des Expositions internationales.
Mais venons-en aux bijoux ; en 1888, C.r Ashbee, architecte mais orfévre veut tester les idées de Morris et crée la Guild of Handicraft. Ses créations sont particulièrement caractéristiques de cette période.
C'est toutefois à Paris que s'affichent les paons , les lys, ... que ce style s'épanouit avec des noms d'artistes célèbres comme Lalique, Fouquet et Vallin (pour les jardins, il faut évoquer Majorelle et son célèbre jardin marrakchi ).
Lalique or, ivoire, émaux, perle baroque, brillants
Si Lalique est plus souvent connu pour ses verres il partage avec Fabergé les honneurs de l'Exposition universelle de 1900. Dans sa conception du bijou, la valeur commerciale ne doit pas intervenir ; il va de ce fait utiliser le verre chaque fois qu'il jugera sa présence utile en union avec les métaux dont il devient l'utilisateur privilégié (émaux de plique - à - jour ).
La tendance naturaliste est donc au goût du jour ; animaux variés, poissons, plantes ou insectes, réalistes ou stylisés. mais très, très ....prisés : mille cinq cent francs de l'époque déboursés par le Kunstindistrimuseet de Copenhague pour une broche à chapeaux.
Mais il n'y a pas que du verre or, argent, opale, verre, corne et diamants !!!
Lalique va chercher son inspiration dans les estampes japonaises et orientales, même si les formes de la Renaissance figurent encore.
Au salon de Paris de 1896 le thème central du bijou devient le nu en ivoire.
Si nombre de bijoux de la période précédente sont la propriété du Victoria and Albert Museum c'est à Lisbonne qu'il vous faut aller pour admirer la plus belle de ces collections d'art nouveau, à la Fondation Gulbenkian.
Un autre orfèvre est aussi de renommée mondiale c'est Fouquet qui collabore avec Mucha, Lalique : le plus célèbre d'entre ses bijoux est celui dessiné pour Sarah Bernhardt dans son rôle de Cléopâtre.
tête en opale avec des yeux de rubis.
Un autre artiste, Henri Vever nous permet d'avoir un regard "éclairé" sur le style Art Nouveau, grâce à son livre "La Bijouterie française au XIX ème siècle".
Il inspira peut-être les Danois dont Georg Jensen et la découverte de ses bijoux vous amènera à Copenhague à la Direction Centrale Jensen.
La Norvège n'est pas en reste avec ses émaux "pique-à- jour".
En Belgique le "Cercle des Vingt" s'était donné pour but de rompre avec le passé et de réagir en même temps contre la mécanisation.
On peut citer Morris, Mackmurdo mais aussi Van de Velde qui toucha à tous les arts appliqués en se rapprochant du Baunhaus Allemand.
Wolfers, avant de se consacrer définitivement à la sculpture, s'illustra comme joailler de la Couronne
ravissante orchidée de Philippe Wolfers
or, diamants, rubis.
C'était un survol de cette période, très marquée par une inspiration végétale aux formes très caractéristiques que l'on rencontre encore en architecture au détour d'un chemin.
J'ai été "emballée" par la Sécession à Vienne.
Il faudrait que je scanne quelques photos de ce voyage, n'est ce pas Annette?
http://www.maglm.fr/post/2015/04/05/au-temps-de-klimt-la-secession-a-vienne-pinacotheque-de-paris/
à suivre
vendredi 23 décembre 2016
Le XIX ème
Je vais traverser ce siècle, sans Napoléon, jusqu'à l'aube du XXème en suivant comme les articles précédents, le fil de l'histoire, où modes vestimentaires et parures sont le reflet des changements de pouvoir, des vicissitudes financières ou autres influences et qui sont aussi la marque de quelques artistes sachant imposer leur notoriété.
Mode aussi de quelques "locomotives" (expression peut-être un peu surprenante pour mes lecteurs étrangers mais qui veut bien dire qu'il s'agit de personnes qui entraînent des modes ou favorisent des lieux) telle que la duchesse de Berry, arbitre de la mode et ardente partisante de la tradition.
Louis XVIII n'était pas intéressé par la joaillerie, sauf pour effacer la marque napoléonienne en faisant remodeler les emblèmes impériaux par le bijoutier Bapst.
Les techniques semi-industrielles,( dont la "cannetille" ) importées d'Angleterre n'étaient pas du goût de la duchesse.
Plusieurs influences marquent ce siècle : dans les années 1830 le goût romantique transforme la parure vestimentaire qui de ce fait modifie le port des bijoux ; dès 1824, sous Charles X, revient à la mode le "gothique" et vers 1850 apparait la crinoline.
Les nouvelles coiffures, raie au milieu et boucles pendantes de chaque côté du visage, empèchent ou rendent inutile le port des boucles d'oreilles, au profit de la "ferronière" . ( déjà à la mode du temps de Léonard de Vinci )
Puisque j'évoquais la notoriété des artistes il faut citer François Désiré Froment -Meurice qui à l'instar de ses prédécesseurs dessine des bijoux : d'inspiration gothique, préférant laisser à ses collégues le soin de réaliser ses inventions, comme Massé, lui aussi parisien.
Contrairement à d'autres qui ne se privaient pas de copier purement et simplement des réalisations qu'ils pouvaient voir dans les Musées qui font leur apparition.
Il fut la vedette de la Grande Exposition de Londres en 1851.
L'italie n'était pas en reste avec Pio Fortunato Castellani, célèbre à Rome dès le début du siècle.
C'est avec son collègue Michel-angelo Caetani qu'il cherche à comprendre les techniques des artistes étrusques sans parvenir à percer le secret de leur soudure.
Ses fils Augusto et Alessandro trouvèrent d'autres solutions puis se lancèrent dans la fabrication des bijoux d'inspiration bysantine ou grecque utilisant émaux et mosaïques.
Naples n'est pas en reste avec Giacinto Melillo qui reprend le procédé de "fonte à cire perdue.
Un autre napolitain du même nom Carlo Melillo produit à Londres des modéles, cette fois, d'inspiration Renaissance.
Carlo Giulano
Luigi Valentino Brugnatelli, en résidence aussi en Angleterre invente le "plaqué or" largement exploité par Wright et Elkington.
La disparition prématurée du prince consort Albert et le chagrin profond ressenti par la reine Victoria mettent en vogue la bijouterie de jais.
Je retrouve là une fabrication qui fut aussi célèbre dans nos vallées Pyrénéennes précisément le Pays d'Olmes ; en Angleterre c'est sur les plages de Whitby que cette pierre noire se découvre ; la main d'oeuvre anglaise était aussi nombreuse que celle de nos exploitations françaises. (nous avons eu récemment une conférence d'un de nos universitaires, Bruno Evans qui a nous a conté la prodigieuse ascension d'un marchant d'objets en jais (chez nous, le jayet en occitan) jusqu'aux Amériques).
collier anglais en jais sculpté
Vingt cinq ans après le décès de son mari, la reine Victoria décide de mettre un terme à son deuil ; fini, les bijoux de deuil, voici venus des bijoux d'amour aux formes de coeur, en émaux ou turquoises.
Les bijoux de corail ont eux aussi fait leur apparition.
mais c'est d'un artiste à la réputation toujours vivante que je veux vous parler, il s'agit de Gustav Fabergé.
Cette famille huguenote originaire de Picardie, les Fabergé, quitte la France lorsque Louis XIV, sous l'influence de Mme de Maintenon révoque l'Edit de Nantes et se fixe en 1842 à Saint - Pétersbourg.
Mais c'est Karl qui, après un appentissage aussi bien en Allemagne, qu' en France ou en Angleterre, prend les rênes de l'affaire, encore très jeune.
Leur suprématie est totale, sept cent artisans travaillent dans cette entreprise qui posséde en outre, plusieurs succursales à Moscou, Kiev, Odessa ou Londres.
Leur succés est particulièrement remarquable à l'Exposition panslave de 1898 et atteint son apogée avec celle de Paris en 1900.
La tradition des tsars d'offrir "les oeufs de Fabergé" à Pâques et d'autres commandes donnent lieu à une collection de cinquante-sept oeufs,
tous aussi originaux et célèbres.
Ce commerce prit fin en 1918.
Par manque de temps, je ne m'étendrai pas sur la période du Second Empire où, nous l'avons vu précédemment, l'impératrice Eugénie, était aussi passionnée de bijoux, avec une prédilection pour le style XVIII ème.
C'est avec Melchior, Gaspard et Balthasar qui apportent leur trésors au pied de la crèche que je vous souhaite un Joyeux Noël.
Je vous retrouverai chque fois que cela me sera possible, pour poursuivre cette "récapitulation" d'un art qui ne cessera sans doute jamais de s'exprimer.
Albrecht Altdorfer
http://images.google.fr/imgres?imgurl=http://palaisdecompiegne.fr/sites/palaisdecompiegne.fr/files/styles/object_slider/public/90-006283.jpg%3Fitok%3DcpADNYhl&imgrefurl=http://palaisdecompiegne.fr/objet/limperatrice-eugenie-entouree-de-ses-dames-dhonneur-0&h=398&w=565&tbnid=VB-0ynew0L5G2M:&vet=1&tbnh=90&tbnw=128&docid=vCaQrFRscNkJPM&usg=__xgLRWIPLaGvjI4pGTzRrkqEMQM4=&sa=X&ved=0ahUKEwjTx-PR-InRAhUEXRQKHT36ArwQ9QEIMzAG
https://www.google.fr/?gws_rd=ssl#q=la+belle+ferronni%C3%A8re+l%C3%A9onard+de+vinci
http://dona.ek.la/collection-des-oeufs-faberge-de-la-famille-romanov-c18261184
http://www.napoleon.org/histoire-des-2-empires/iconographie/portrait-de-limperatrice-eugenie-commande-a-gustave-le-gray-par-ismail-pacha/
http://www.drouot-estimations.com/html/fiche.jsp?id=3482976
http://www.exponaute.com/magazine/2017/05/19/medusa-une-histoire-de-bijoux-au-musee-dart-moderne-de-paris/
Mode aussi de quelques "locomotives" (expression peut-être un peu surprenante pour mes lecteurs étrangers mais qui veut bien dire qu'il s'agit de personnes qui entraînent des modes ou favorisent des lieux) telle que la duchesse de Berry, arbitre de la mode et ardente partisante de la tradition.
Louis XVIII n'était pas intéressé par la joaillerie, sauf pour effacer la marque napoléonienne en faisant remodeler les emblèmes impériaux par le bijoutier Bapst.
Les techniques semi-industrielles,( dont la "cannetille" ) importées d'Angleterre n'étaient pas du goût de la duchesse.
Plusieurs influences marquent ce siècle : dans les années 1830 le goût romantique transforme la parure vestimentaire qui de ce fait modifie le port des bijoux ; dès 1824, sous Charles X, revient à la mode le "gothique" et vers 1850 apparait la crinoline.
Les nouvelles coiffures, raie au milieu et boucles pendantes de chaque côté du visage, empèchent ou rendent inutile le port des boucles d'oreilles, au profit de la "ferronière" . ( déjà à la mode du temps de Léonard de Vinci )
Puisque j'évoquais la notoriété des artistes il faut citer François Désiré Froment -Meurice qui à l'instar de ses prédécesseurs dessine des bijoux : d'inspiration gothique, préférant laisser à ses collégues le soin de réaliser ses inventions, comme Massé, lui aussi parisien.
Contrairement à d'autres qui ne se privaient pas de copier purement et simplement des réalisations qu'ils pouvaient voir dans les Musées qui font leur apparition.
Il fut la vedette de la Grande Exposition de Londres en 1851.
L'italie n'était pas en reste avec Pio Fortunato Castellani, célèbre à Rome dès le début du siècle.
C'est avec son collègue Michel-angelo Caetani qu'il cherche à comprendre les techniques des artistes étrusques sans parvenir à percer le secret de leur soudure.
Ses fils Augusto et Alessandro trouvèrent d'autres solutions puis se lancèrent dans la fabrication des bijoux d'inspiration bysantine ou grecque utilisant émaux et mosaïques.
Naples n'est pas en reste avec Giacinto Melillo qui reprend le procédé de "fonte à cire perdue.
Un autre napolitain du même nom Carlo Melillo produit à Londres des modéles, cette fois, d'inspiration Renaissance.
Luigi Valentino Brugnatelli, en résidence aussi en Angleterre invente le "plaqué or" largement exploité par Wright et Elkington.
La disparition prématurée du prince consort Albert et le chagrin profond ressenti par la reine Victoria mettent en vogue la bijouterie de jais.
Je retrouve là une fabrication qui fut aussi célèbre dans nos vallées Pyrénéennes précisément le Pays d'Olmes ; en Angleterre c'est sur les plages de Whitby que cette pierre noire se découvre ; la main d'oeuvre anglaise était aussi nombreuse que celle de nos exploitations françaises. (nous avons eu récemment une conférence d'un de nos universitaires, Bruno Evans qui a nous a conté la prodigieuse ascension d'un marchant d'objets en jais (chez nous, le jayet en occitan) jusqu'aux Amériques).
Vingt cinq ans après le décès de son mari, la reine Victoria décide de mettre un terme à son deuil ; fini, les bijoux de deuil, voici venus des bijoux d'amour aux formes de coeur, en émaux ou turquoises.
Les bijoux de corail ont eux aussi fait leur apparition.
mais c'est d'un artiste à la réputation toujours vivante que je veux vous parler, il s'agit de Gustav Fabergé.
Cette famille huguenote originaire de Picardie, les Fabergé, quitte la France lorsque Louis XIV, sous l'influence de Mme de Maintenon révoque l'Edit de Nantes et se fixe en 1842 à Saint - Pétersbourg.
Mais c'est Karl qui, après un appentissage aussi bien en Allemagne, qu' en France ou en Angleterre, prend les rênes de l'affaire, encore très jeune.
Leur suprématie est totale, sept cent artisans travaillent dans cette entreprise qui posséde en outre, plusieurs succursales à Moscou, Kiev, Odessa ou Londres.
Leur succés est particulièrement remarquable à l'Exposition panslave de 1898 et atteint son apogée avec celle de Paris en 1900.
La tradition des tsars d'offrir "les oeufs de Fabergé" à Pâques et d'autres commandes donnent lieu à une collection de cinquante-sept oeufs,
tous aussi originaux et célèbres.
Ce commerce prit fin en 1918.
Par manque de temps, je ne m'étendrai pas sur la période du Second Empire où, nous l'avons vu précédemment, l'impératrice Eugénie, était aussi passionnée de bijoux, avec une prédilection pour le style XVIII ème.
C'est avec Melchior, Gaspard et Balthasar qui apportent leur trésors au pied de la crèche que je vous souhaite un Joyeux Noël.
Je vous retrouverai chque fois que cela me sera possible, pour poursuivre cette "récapitulation" d'un art qui ne cessera sans doute jamais de s'exprimer.
http://images.google.fr/imgres?imgurl=http://palaisdecompiegne.fr/sites/palaisdecompiegne.fr/files/styles/object_slider/public/90-006283.jpg%3Fitok%3DcpADNYhl&imgrefurl=http://palaisdecompiegne.fr/objet/limperatrice-eugenie-entouree-de-ses-dames-dhonneur-0&h=398&w=565&tbnid=VB-0ynew0L5G2M:&vet=1&tbnh=90&tbnw=128&docid=vCaQrFRscNkJPM&usg=__xgLRWIPLaGvjI4pGTzRrkqEMQM4=&sa=X&ved=0ahUKEwjTx-PR-InRAhUEXRQKHT36ArwQ9QEIMzAG
https://www.google.fr/?gws_rd=ssl#q=la+belle+ferronni%C3%A8re+l%C3%A9onard+de+vinci
http://dona.ek.la/collection-des-oeufs-faberge-de-la-famille-romanov-c18261184
http://www.napoleon.org/histoire-des-2-empires/iconographie/portrait-de-limperatrice-eugenie-commande-a-gustave-le-gray-par-ismail-pacha/
http://www.drouot-estimations.com/html/fiche.jsp?id=3482976
http://www.exponaute.com/magazine/2017/05/19/medusa-une-histoire-de-bijoux-au-musee-dart-moderne-de-paris/
jeudi 22 décembre 2016
de l'acier au fer
Rassurez-vous, si j'entame le XIX éme siècle avec Napoléon et surtout Joséphine grands amateurs de bijoux .... en or et pierres précieuses (au point d'utiliser les joyaux de Charlemagne) c'est justement parce qu'ils sont responsables de l'émergence de la fabrication en Allemagne des bijoux en fer.
Le tout premier atelier fut à Berlin en 1804, la Fabrique royale : tels les joaillers anglais pour l'acier, les fondeurs de fer allemands font évoluer leur production vers des produits plus décoratifs que les gardes d'épées, les boucles ou les châtelaines.
1806 est une date importante qui met un terme au Saint Empire romain germanique au profit de la Confédération du Rhin ; Napoléon surgit en 1808 et s'empare des moules utilisés pour la fabrication des médaillons pour les expédier en France qui met cette fabrication nouvelle au goût du jour.
En Allemagne, l'effort de guerre demandé à la population pour lutter contre l'envahisseur l'incite à l'échange de tous les bijoux en or contre cette nouvelle joaillerie de fer.
(Gold gab ich für Eisen. Ein Ein Gest auscht zum wohl des Vaterlands sont gravés parfois sur les nouveaux bijoux de fer du généreux donateur.
Inutile de préciser que la majeure partie de ces bijoux se trouvent à Londres au Victoria and Albert Museum !!...
Même après la chute de Napoléon, ils restèrent en vogue dans les deux pays.
Il faut dire qu'ils n'avaient rien à envier aux supports en or avec ces délicates réalisations de fils entrelacés et émaillés de noir, aux formes néo-classiques en vogue en Europe à cette période.
.
Mais nous allons aussi voir la production française ..en or, sous l'impulsion du 1er Empire, aprés la période troublée de la Révolution française..
Les événements tragiques de cette époque donnent lieu à des modes un peu... spéciales: les femmes se coiffent "à la victime" cheveux tirés sur la tête et ruban rouge autour du cou et les boucles d'oreilles prirent la forme de guillotines en miniature.
Pour remémorer les martyrs de la Révolution, on voit apparaître les bagues "à la Marat".
Les" merveilleuses" portent des chemises sans manches, légéres et transparentes d'inspiration grecque, resserrées sous la poitrine, coiffure à la grecque aussi, spartiates aux pieds et rien de bien nouveau hormis les "poissardes" très longues boucles d'oreilles pendantes ; et peut-être aussi les sautoirs.
En 1792 nous l'avons déjà vu le Trésor Royal fut volé et en partie retrouvé)
Mais avec l'accession de Bonaparte au Consulat, les choses commencent à évoluer, dés 1799, la stabilité financière retrouvée, les joailliers en cessation d'activité retrouvent du travail sans toutefois utiliser les diamants, insulte à la démocratie. Ce qui donne lieu à la fabrication massive des camées mélés de perles.
Les diamants sont remplacés par des cristaux ; à chaque doigt une bague y compris sur le pouce ou le gros orteil.
broche avec camée
Ceci pour la généralité, mais la nouvelle impératrice qui raffolait des bijoux n'hésitait pas à se parer des bijoux de la Couronne, désormais à sa disposition depuis 1804.
Les tiares sont en vogue et l'on peut admirer cette nouvelle joaillerie sur les portraits de François Gérard, de Joséphine :
ou bien de Robert Le Févre (1806. Pauline Borghèse au Château de Versailles).
ou Marie-Caroline reine de Naples par Vigée le Brun
Robert Le Févre a aussi fait d'autres portraits comme celui-ci.
Napoléon se présente à son sacre avec une couronne de lauriers "à l'antique"
las !!! pas plus que certains empereurs romains, son régne ne sera pas très long.!!!
https://www.histoire-image.org/etudes/sacre-empereur-napoleon-ier-oeuvre-cle
Le tout premier atelier fut à Berlin en 1804, la Fabrique royale : tels les joaillers anglais pour l'acier, les fondeurs de fer allemands font évoluer leur production vers des produits plus décoratifs que les gardes d'épées, les boucles ou les châtelaines.
1806 est une date importante qui met un terme au Saint Empire romain germanique au profit de la Confédération du Rhin ; Napoléon surgit en 1808 et s'empare des moules utilisés pour la fabrication des médaillons pour les expédier en France qui met cette fabrication nouvelle au goût du jour.
En Allemagne, l'effort de guerre demandé à la population pour lutter contre l'envahisseur l'incite à l'échange de tous les bijoux en or contre cette nouvelle joaillerie de fer.
(Gold gab ich für Eisen. Ein Ein Gest auscht zum wohl des Vaterlands sont gravés parfois sur les nouveaux bijoux de fer du généreux donateur.
Inutile de préciser que la majeure partie de ces bijoux se trouvent à Londres au Victoria and Albert Museum !!...
Même après la chute de Napoléon, ils restèrent en vogue dans les deux pays.
Il faut dire qu'ils n'avaient rien à envier aux supports en or avec ces délicates réalisations de fils entrelacés et émaillés de noir, aux formes néo-classiques en vogue en Europe à cette période.
Mais nous allons aussi voir la production française ..en or, sous l'impulsion du 1er Empire, aprés la période troublée de la Révolution française..
Les événements tragiques de cette époque donnent lieu à des modes un peu... spéciales: les femmes se coiffent "à la victime" cheveux tirés sur la tête et ruban rouge autour du cou et les boucles d'oreilles prirent la forme de guillotines en miniature.
Pour remémorer les martyrs de la Révolution, on voit apparaître les bagues "à la Marat".
Les" merveilleuses" portent des chemises sans manches, légéres et transparentes d'inspiration grecque, resserrées sous la poitrine, coiffure à la grecque aussi, spartiates aux pieds et rien de bien nouveau hormis les "poissardes" très longues boucles d'oreilles pendantes ; et peut-être aussi les sautoirs.
En 1792 nous l'avons déjà vu le Trésor Royal fut volé et en partie retrouvé)
Mais avec l'accession de Bonaparte au Consulat, les choses commencent à évoluer, dés 1799, la stabilité financière retrouvée, les joailliers en cessation d'activité retrouvent du travail sans toutefois utiliser les diamants, insulte à la démocratie. Ce qui donne lieu à la fabrication massive des camées mélés de perles.
Les diamants sont remplacés par des cristaux ; à chaque doigt une bague y compris sur le pouce ou le gros orteil.
Ceci pour la généralité, mais la nouvelle impératrice qui raffolait des bijoux n'hésitait pas à se parer des bijoux de la Couronne, désormais à sa disposition depuis 1804.
Les tiares sont en vogue et l'on peut admirer cette nouvelle joaillerie sur les portraits de François Gérard, de Joséphine :
ou bien de Robert Le Févre (1806. Pauline Borghèse au Château de Versailles).
ou Marie-Caroline reine de Naples par Vigée le Brun
Napoléon se présente à son sacre avec une couronne de lauriers "à l'antique"
las !!! pas plus que certains empereurs romains, son régne ne sera pas très long.!!!
https://www.histoire-image.org/etudes/sacre-empereur-napoleon-ier-oeuvre-cle
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